Selección del mes: Nuestra Casa a la Hispanic Society

La Hispanic Society of America, Museo y Biblioteca en Nueva York ha estado cerrado por renovación desde 2017 y finalmente reabrirá el próximo año en 2023. Aunque muchos de sus objetos han estado de gira y han sido vistos por visitantes de museos de todo el mundo, una exposición en la recientemente renovada East Building Gallery del museo ahora ofrece a los visitantes locales un adelanto de su colección (que en total incluye 750,000 objetos. La curadora de la exposición, Madeleine Haddon, describe cómo la exposición pretende ‘mostrar hasta qué punto la colección de la Hispanic Society se extiende más allá del arte de España, por el que tradicionalmente ha sido conocida.’

El título de la exposición 'Nuestra Casa' inmediatamente da la bienvenida a todas las visitantes a la exposición. La entrada es gratuita y el museo tiene un papel fundamental en la comunidad local. De hecho, el museo está en Washington Heights, una zona de la ciudad de Nueva York que tiene una de las poblaciones latinas más grandes (aunque cuando Huntington lo fundó en 1904, la misma zona estaba prácticamente deshabitada). La exposición no solo celebra la herencia cultural de los mundos de habla hispana y portuguesa, sino que también ayuda a los visitantes a comprender la centralidad de la historia hispana para la identidad de los Estados Unidos.

Aquí hay seis sensacionales cuadros en la exposición...

Agustín Arrieta, El Costeño, 1843

Esta es la primera pintura que saluda a los visitantes cuando entran en la exposición. Representa a un joven de la costa mexicana. El joven representado probablemente era de Veracruz en México, que históricamente fue el primer punto de entrada para los esclavos traídos de África occidental a México. La pintura es un testimonio de la gran población afromexicana en el México del siglo XIX, que aún permanece en la actualidad. Madeleine Haddon señala que era importante que la exhibición abriera con una pintura que invitara a los visitantes a pensar sobre las complejidades detrás de lo que significa representar el mundo hispano.

Agustín Arrieta fue un pintor mexicano que tendía a pintar escenas cotidianas y bodegones en su ciudad natal Puebla, México, donde vivió la mayor parte de su vida. Aunque no conocemos la identidad precisa del retratado en El Costeño, Agustín Arrieta lo retrata con tanta familiaridad y simpatía que sería un error categorizar esta pintura simplemente como un 'tipo'; más bien, desdibuja los límites entre 'tipo' y 'retrato'.

Velázquez, retrado de una niña, c. 1640

Este cuadro está emparejado con El Costeño de Agustín Arrieta en la entrada de la exposición. El modelo de Velázquez aquí también es anónimo. Aunque Velázquez a menudo pintó retratos informales de modelos masculinos, es raro ver uno que represente a una modelo femenina. De hecho, esta pintura es su único retrato de una niña que no era miembro de la familia real. Ha dejado sin terminar la parte inferior de su vestido y por eso da una idea del proceso de pintura, además de dar una sensación de informalidad e intimidad a este retrato.

Khalaf, píxide de marfil, c. 966

Esta caja decorada, conocida como píxide, es el objeto más antiguo de la exposición. Es uno de los objetos supervivientes más preciados de la dinastía omeya y fue fabricado en el siglo X en Córdoba, España. Una píxide era un recipiente cilíndrico con tapa que se usaba para almacenar joyas, frascos de perfume, cosméticos o incluso veneno. La inscripción de esta píxide en particular no solo nombra al artista, Khalaf, que la hizo, sino que también señala explícitamente que el objeto se hizo para contener perfumes preciosos ("un recipiente para almizcle, alcanfor y ámbar gris"). Los omeyas se originaron de la actual Siria y se trasladaron a la península ibérica en el siglo VIII, donde fundaron un estado independiente. Los omeyas tuvieron un gran impacto en el arte y la cultura de la península ibérica, en particular a través de los motivos visuales de flores y follaje. Los objetos producidos bajo los omeyas se caracterizan por su intrincada decoración, desde lujosas cajas de marfil tallado y plata dorada hasta elementos arquitectónicos ricamente decorados (como capiteles o fuentes de mármol en palacios).

Goya, retrado de la duquesa de Alba, 1797

Este es probablemente el cuadro más famoso de la exposición y representa a la duquesa de Alba vestida de luto. La duquesa de Alba fue una de las figuras más llamativas de la corte española de finales del siglo XVIII. Aquí Goya parece capturar su aire de encanto y confianza. Después de la muerte de su marido un año antes, la duquesa se retiró a su finca de Sanlúcar de Barrameda para pasar un período de luto. Goya se unió a ella allí, donde realizó numerosos retratos de ella. En este cuadro, la duquesa señala hacia el suelo las palabras 'solo Goya' escritas en la arena, y también lleva dos anillos, uno grabado con 'Alba' y otro con 'Goya'. Los detalles se han utilizado a menudo para respaldar la especulación de que Goya tuvo una relación sentimental con la duquesa. Sea cierto o no, la pareja sin duda compartía un vínculo estrecho y la duquesa fue una importante fuente de inspiración para muchas de las pinturas de Goya. De hecho, Goya conservó este cuadro en particular en su estudio mucho después de la muerte de la duquesa en 1802.

Rodríguez Juárez, las Castas: Mestizo e Indiana Produce Coyote, c. 1715

Esta pintura se realizó dentro de la tradición de las ‘castas’ que se originó en las primeras décadas del siglo XVIII. Las pinturas de ‘casta’ se hacían en serie, en cada uno se representaba y rotulaba a un matrimonio con sus hijos, como una forma de visualizar y codificar las diferentes mezclas raciales predominantes en el México del siglo XVIII. Esta pintura, realizada por Juan Rodríguez Juárez hacia 1715, representa a una pareja casada y un niño. El esposo es un hombre mestizo de ascendencia europea y amerindia y su esposa es de ascendencia indígena mexicana. Su hijo recibe el sobrenombre de 'Coyote', en referencia a su herencia racial particular según la perspectiva colonial española (que incluye la del artista). La familia está elegantemente vestida y detalles como la canasta de peras blancas del niño y la caja de rapé o tabaco de su padre recuerdan a los espectadores el estatus social relativamente cómodo de esta familia. Al crear distintas jerarquías sociales y raciales (en gran parte a través de las pinturas de ‘casta’), los españoles pudieron mantener la autoridad en el Nuevo Mundo.

Sorolla, Después del baño, 1908

Sorolla hizo esta pintura en una playa de Valencia en el verano de 1908. Podemos ver las pinceladas típicamente libres del artista para crear una escena vibrante y brillante de sol y arena. Un año después, el cuadro se exhibió por primera vez en la Hispanic Society (este primer recorrido por las pinturas de Sorolla atrajo a 160 mil visitantes). Sorolla fue contemporáneo de Huntington, el fundador de la Hispanic Society, y algunas de las primeras exposiciones del museo fueron retrospectivas dedicadas al artista.

Nuestra Casa: Redescubriendo los Tesoros de la Hispanic Society of America, Museo y Biblioteca realizará una gira por Ontario a finales de este año y en 2023 visitará la Royal Academy of Arts de Londres.

Visita nuestro canal de YouTube para escuchar a Madeleine Haddon hablando con Nicola Jennings, directora de la Fundación de Arte Athena, sobre esta exposición en el último episodio del podcast Athena Asks:

(Written by Esme Garlake on behalf of Athena Art Foundation, April 2022)